Volver a las Raíces

Volver a las raíces significa mirar hacia atrás, pero no para lamentarnos como estamos hoy, sino para inspirarnos en el origen del arte. Si un árbol no tiene sus raíces fuertes y bien arraigadas a la tierra que lo nutre, es muy probable que crezca débil o incluso que no llegue a dar sus frutos. En el caso del arte es lo mismo.

La danza árabe tiene su origen en culturas milenarias de Medio Oriente y del Norte de África, y si nos retrotraemos más en el tiempo; en su nacimiento estaba asociada a las diosas madres de las sociedades matriarcales, donde la mujer ejercía un rol predominante y estaba íntimamente conectada con la tierra, como símbolo de fertilidad y fecundidad. A este origen sagrado milenario y entrelazado en las diversas culturas y pueblos que influenciaron esta danza, hoy no se lo encuentra tan fácilmente en los espectáculos o show actuales. ¿Por qué?

La danza, como cualquier otro arte, fue creciendo, fusionándose, occidentalizándose y de a poco fue perdiendo su esencia. Si bien este crecimiento fue muy bueno para la danza en términos de estilización, técnica, teatralidad y popularidad, por otro lado no es bueno tomar solo “lo nuevo” sin indagar en la historia y evolución de la danza que le dio origen. Sobre todo para nosotros, los occidentales, que tenemos una cultura muy diferente a la de los países árabes.

Entonces, nuestra tarea como profesionales de la danza sería investigar más sobre los países de donde proviene esta danza, su pueblo, costumbres, música, etc. para poder reinterpretarla de un modo adecuado. Sino, no seríamos más que aficionados. Por eso, es que me intereso tanto por los bailes tradicionales folclóricos de todas las zonas en donde se baila o se vio influenciada esta danza y comparto ese interés con mis alumnas, intentando fomentar su curiosidad y respeto por la danza oriental, considerándola como una expresión artística y cultural, una tradición heredada, que esta indisolublemente ligada a una región con su idioma, religión, costumbres…, es decir, una cosmovisión diferente.

No tenemos acceso a aquella danza ritual mágica originaria de la danza del vientre, pero si lo tenemos a las danzas folclóricas conservadas por los pueblos donde esta danza nació. Conocer y bailar el estilo tradicional es la única forma de comprender realmente de que se trata este baile, para interpretarla con sentimiento, con el estilo correcto, con respeto a su pueblo. Es que primero hay que internalizar los movimientos que la caracterizan y recién entonces podremos fluir a través del baile. En vez de sentirlo como algo ajeno, y bailar superficialmente, nos adueñaremos del profundo sentir de esta música y danza.

Viajar a Egipto y Marruecos me abrió lo ojos con respecto a la danza y a la forma de abordarla. Pienso que acá en Argentina, se abocan más que nada a la parte técnica y coreográfica de la danza. Y por lo que pude observar en shows y clases que tome en Egipto y Marruecos, la parte técnica es importante, pero lo más importante es el sentimiento, carisma e impronta personal que le dan a la danza, y que esta fuertemente ligado a su identidad como pueblo, y por consecuencia a sus danzas folclóricas. ¡Allá la danza emociona!

La propuesta es: Volver a las raíces, para nutrirnos de la fuente y crecer con fuerza y seguridad. Y de ahí partir, para crear y florecer aportando nuestro propio color y forma a la danza.

Manos que danzan

Las manos hablan, pero no mienten. Dialogan entre sí y también cuentan su historia.
Las manos nos hacen personas, hablan de uno mismo.
Pueden expresar sensaciones, ideas y sentimientos.
Pueden expresarse en silencio y en melodía.
Porque ellas bailan si se las libera.
Y es ésta danza la que nos hipnotiza con sus gestos improvisados y su lenguaje en formas infinitas.
Las manos hacen y deshacen.
Las manos toman y también dejan.
Nuestra primer sensación como personas es el contacto con otras manos.
Es su destino conectarnos con otros, con el mundo.
Es el tacto, y a través de ellas que descubrimos nuestro cuerpo y otro cuerpo.
Las manos nos brindan sensaciones y expresan sentimientos.
Las manos fueron creadas para acariciar,

esa caricia puede estar presente, ausente, imaginada o evocada,

pero siempre será parte de nuestras manos.
Danzar es acariciar

el aire con las manos.

Poema escrito por Khaleia.

29 de abril, Día Internacional de la Danza

¡¡¡FELÍZ DÍA DE LA DANZA!!!

Este día se festeja en homenaje al corógrafo francés Jean Georges Noverre (1727-1810), considerado como el gran reformador de la danza clásica.

Desde 1982 se festeja este día con la promoción de la UNESCO, con la finalidad de incentivar la difusión de la danza en todas sus manifestaciones, tanto populares como escénicas y con un mensaje integrador: “que la danza sea tomada en cuenta”

¿Quién fue Jean-Georges Noverre?

El ballet en el siglo XVII seguía siendo un espectáculo compuesto de danzas, música y canto, que crecía en importancia dentro de los entretenimientos cortesanos. Hacia fines del siglo XVII y comienzos del XVIII, coreógrafos y bailarines intentan que la danza se libere de esa opresión cortesana y que el ballet comience a independizarse de la ópera, de la poesía y de cualquier otro elemento que hasta entonces la había acompañado.

El profesionalismo se extiende rápidamente en los dominios del arte coreográfico y el siglo XVIII propone la emancipación de la danza gracias a los estudios teóricos y profesionales en torno al papel que ésta debía tener con respecto a las demás artes, y va a contar para ello con el gran Jean Georges Noverre, quien formulará las teorías del ballet d´action, y las "Cartas sobre la Danza y los ballets" que escribiera en el año 1760.

En el ballet d´action el tema era expresado por medio de la danza y la mímica sin la ayuda de una explicación cantada o hablada.

Las "Cartas sobre la Danza y los ballets" es uno de los documentos más innovadores en la historia de la danza. La danza debía adquirir expresividad y para ello tenía que renunciar a todo aquello que la imposibilitara; pelucas, miriñaques, acortamiento de las faldas, máscaras.

Todo lo que no estuviera a favor de la expresión, debía abolirse; todo movimiento coreográfico tiene para Noverre un sentido interior. Todo movimiento no razonado y privado de lógica no transmite nada, las manos de un bailarín hábil deben hablar; si su rostro no juega, si sus ojos no declaman, su expresión es entonces forzada, su juego maquinal y el efecto resulta viciado por lo desagradable y por la falta de verdad.

Jean George Noverre ha pasado a la historia de la danza y del ballet como uno de sus más eminentes teóricos. Sus obras coreográficas fueron olvidadas, no así sus conceptos sobre técnica, estética o expresión: "El ballet bien estructurado es una pintura real de las pasiones, de las costumbres, de las creencias y de la idiosincrasia de todos los pueblos de la tierra". He aquí su credo y su profesión de fe. Sobre ellos quedaba edificado todo el porvenir de la danza.

Para los que encontraron en la danza la libertad de expresarse y aman bailar:

¡¡¡Feliz día!!!

COREOGRAFÍAS PROPIAS Y COREOGRAFÍAS ROBADAS…

"... el coreógrafo no sólo es un creador, un inventor, un diseñador: asimismo asume la responsabilidad de un realizador... resulta un 'productor', toda vez que debe organizar, coordinar adecuadamente los distintos elementos de la actividad dancística para que el fenómeno se lleve a cabo total y plenamente." Alberto Dallal

La coreografía (composición de la danza) es el arte de crear estructuras en las que suceden movimientos. Por lo general, se utiliza preferentemente para las danzas creadas para el teatro.
Hacer una obra coreográfica supone un acto de "creatividad artística", es decir, un trabajo que se enmarca en el ámbito de las artes y que implica "crear" (construir, elaborar, componer) una danza específica con una intención personal, siendo su destino final la exhibición.
Por lo tanto, las coreografías que realiza un profesor/a son creaciones originales propias, que deberían compararse a la obra de arte de un pintor o un escritor, en cuanto a su originalidad.
Las coreografías realizadas pueden resultar buenas o malas, pero dejando de lado el nivel artístico y técnico que tenga la coreografía en sí, el coreógrafo/a tiene derecho de autor sobre la obra, el cual no tiene porque ser violado. También, fuera de la cuestión legal, hay una cuestión moral implícita, que es obvia y ni siquiera haría falta explicarla; nadie puede robarse el crédito por algo que esa persona no realizó.
Copiar una coreografía sin permiso del autor, es simplemente un robo o plagio Tanto si la coreo es copiada de un video o de un profesor (Aclaración: si se copia casi toda una coreografía con dos o tres movimientos diferentes, sigue siendo plagio). Pero, a mi entender, es peor cuando se plagia la coreo a su mismo profesora, ya que esto implica, no solamente la mala actitud de copiar, sino la falta de respeto a su propio profesor. La bailarina que hace esto lastima su imagen y si es estudiante, además, lastima la imagen de su maestra.
Además, si te consideras una buena bailarina y/o profesora, tendrías que ser capaz de realizar tus propias coreografías. Porque eso te ayuda a crecer como profesional, ser más creativa, ser original, encontrar tu propio estilo. Y, por otro lado, si se descubre que la coreo es robada (que casi siempre es así), la bailarina o profesora pone en juego su credibilidad como profesional capacitada, y lo único que logra es desprestigiarse a sí misma.
No recomiendo copiar una coreografía de otra persona, por las razones dadas anteriormente y porque no es auténtico. Pero, si vas a copiar una coreografía por alguna circunstancia y es de una profesora a la que tenes acceso, pedile permiso especificándole la situación. Si la coreo es sacada de un video deberías aclarar y citar el nombre de la bailarina a la que pertenece.
De todos modos, siempre, lo mejor es realizar tus propias coreografías y ser auténtico con uno mismo, para desarrollarnos como artistas creativos e independientes.

Postura corporal en la danza

Para bailar cómodo y bien es esencial mantener una buena postura. (De lo contrario, puede ser contraproducente para su salud). Esta se obtiene a través de una adecuada alineación de las diferentes partes del cuerpo en correcta posición relativa unas con otras.

La Cabeza: La cabeza debe mantenerse erguida, evitando inclinarla lateralmente. La barbilla paralela al suelo. El cuello estirado y en prolongación de la espina dorsal. No echar la cabeza hacia adelante (tipo egipcio) o hacia atrás.

Tronco: El tronco y las caderas deben mantenerse siempre con una buena alineación vertical. El tronco debe sentirse como si estuviese elevado sobre las caderas con objeto de estirar la columna vertebral. No obstante este estiramiento del torso debe permitir una respiración normal y cómoda. Nunca permita que el torso se incline hacia adelante ó hacia atrás en relación con las caderas. Para lograr esto, se sostienen con los músculos abdominales semi tensos esta distancia entre pelvis y pecho.

Pelvis/Caderas: La posición de las caderas debe permitir la curvatura natural de la columna vertebral. Por lo tanto la pelvis debe mantenerse centrada, ni excesivamente hacia adelante ni hacia atrás.

Piernas: Cuándo las piernas están rectas, las rodillas deben posicionarse directamente entre las caderas y los pies. Cuándo las rodillas se doblan hacia adelante la alineación de las pies está a la altura de la cadera, de tal forma que el cuerpo permanece erguido. Intente siempre sentir que estira su tronco a medida que dobla las rodillas a fin de evitar que la postura se "desinfle".Nunca permita que la pelvis se mueva hacia atrás cuándo doble las rodillas.

Los Pies: Es muy importante para un buena bailarina tener un profundo conocimiento del posicionamiento del peso del cuerpo sobre el pié. En posición normal, parado, el peso del cuerpo debe situarse sobre el centro del pié, entre el talón y el metatarso. En movimiento, esta posición es variable dependiendo del tipo específico de movimiento, y puede ir desde la parte trasera del talón hasta la punta; sin embargo esta distribución no debe afectar a la alineación de la parte superior del cuerpo desde las caderas hasta la cabeza.

Práctica: En la Academia de Danza Arabe Khaleia la postura correcta se explica teóricamente, junto con sus beneficios y además se muestra prácticamente y durante las clases, se corrigen y se recuerdan estos ítems, hasta que se incorporan naturalmente.

¡Esto NO es Danza Arabe!

Últimamente pudimos observar en el famoso programa televisivo de Tinelli “Bailando por un sueño” como interpretaron, o mejor dicho, malinterpretaron al género de la danza árabe.
Este programa tienen una gran difusión, por lo tanto cada baile interpretado tiene mucha repercusión mediática. Lamentablemente, en el caso de la Danza Oriental no fue positiva. Es decir, los participantes y el programa ¿cumplieron con su objetivo de lograr alto raiting? Sí. Pero, ¿a costa de qué? El costo fue difamar tanto a la danza árabe, como arte y como representación cultural de una comunidad, como a las bailarinas que lo interpretan.

Para los que nunca vieron un espectáculo de Danza del Vientre y su única referencia de este baile es “Tinelli”, quisiera aclarar algunos puntos:
1- Primero y principal, la danza árabe es sensual, y no sexual.
2- En un show, la odalisca baila siempre con pollera y nunca, bajo ninguna circunstancia, se desviste.
3- El hombre puede acompañar a la bailarina, pero desde una actitud masculina de respeto hacia la mujer.
4- El “juego” de sensualidad es desde la mirada, nunca hay contacto entre los cuerpos de los bailarines.
5- La bailarina puede bailar en el piso, pero lo hace sola y siempre de manera femenina y delicada. Nunca se va a ver a una bailarina junto al bailarín haciendo movimientos obscenos o de fuerte connotación sexual.

En mi opinión, se puede entender la necesidad de cambiar un poco el estilo de la danza para que pueda entrar en la estructura de este show tan popular. Por ejemplo, el uso de elementos: velos, bastón, alas, chinchines, sable; para realzar la espectacularidad del baile (aunque los elementos estén mal empleados y no coincidan con su música y estilo correspondiente). Pero, lo que me parece una falta de respeto, es que conviertan esta hermosa danza en algo que no es. Y manchen el nombre de todas las bailarinas y profesoras que con tanto esfuerzo luchan para que esta danza se difunda dentro de su contexto cultural correspondiente y sea apreciado por lo que realmente es: arte.